ホンマタカシさんの「フォトグラフス」をGallery360°で観てきました。
ホンマタカシさんは今回かなり色々なところで同時に展覧会を開催しているみたいです。東京オペラシティアートギャラリーで開催中のホンマタカシさんの「ニュー・ドキュメンタリー」展が中心となっているのかな？そこから派生した9つの展覧会「サテライト9」をやっているみたいです。
その中の一つです。ホンマタカシさんの写真を意識してみるのは恐らく初めてなんですが、どこかで多分見てるんだろうなーと思いました。
Gallery360°での展示は、結構都市を切り取ったような作品が多くそしてさわやかで明るいそらの色など、色でクールな感じをあらわしつつの作品が多かったです。都市にありながら都市でなくても成り立つしかしそのなかに人や街の空気感があるような。そんな切り取り方が良かったです。
東松 照明さんの作品をタカ・イシイギャラリー フォトグラフィー/フィルムで観て来ました。
かなり昔からの色々な写真があって色々なタイプの写真があったように思えました。あと緊張感のある感じがしました。
まだ写真についてどうやって観たらいいのかよくわかってないないですが。モノクロームがあう写真だなと思いました。
森山大道さんとかに近い感じがしましたが、緊張が違うというか・・・。うーむ。写真についてももうちょっと勉強しないとな・・・。全然内容がなくてスイマセン。
フィロズ・マハムド「ラメンテーション」をOTA FINE ARTSで観て来ました。
あいちトリエンナーレで豆の戦闘機を作っていた人ですね。あいちトリエンナーレは写真撮れたので、それも載せておきます。これの縮小版が今回の展示でも出ていました。
この作家の事をしるにはどうやらバックボーンが重要なんだということを、あいちトリエンナーレのときに覚えたのでバックボーンを思い出してたのですが、解説に丁寧にかいてあったので、引用させてもらいます。
展覧会タイトルの「ラメンテーション」は、戦争や衝突がいろいろなレベルで人々に与える深い悲しみや喪失感を意味します。キャンバスに描かれる人物像たちはいずれも戦争の渦中に置かれますが、とくにプラッシーの戦の物語は、インド史において英仏列強の代理戦争として位置づけられていつの時代も国家に翻弄される民の生活が印象的です。
絵画作品は、17世紀ムガール帝国時代を舞台に繰り広げられたベンガル地方のナワーブ（太守）とイギリス東インド会社間の長い争い、プラッシーの戦を描いています。2点組で構成される作品は、相反する要素を表しています。止むことのない争いや王とお妃の愛情と悲しみ、また軍国主義と偏見という相互作用などを描き出しています。
また穀物で表面を覆われた『Fatboys』は、戦時下における軍国主義と政府が対峙する市民との対立を示唆します。政府は莫大な予算を軍備に注ぎ込み、兵器や軍用戦闘機は国の財政と民の生活を疲弊させます。軍国主義はますます高慢になり、来たる有事へ備えるのが常です。古代より現在に至るまで戦争はあらゆる富を使い果たし、挙句に生命に関わる食糧までも奪い去る、この矛盾と悲しさは変わることはないとフィロズ・マハムドは考えます。
ということで、バックボーンをしらないとなんかイマイチピンと来ないのですが、知るとなるほどなって感じです。バングラディッシュらしさが出ていました。
この本は行く時に読む本だから、参考にならないか。
Richter & Twombly「New Edition Works」をWAKO WORKS OF ARTで観て来ました。
ゲルハルト・リヒターの、ガラスとラッカーを用いた作品「アブダラ」のシリーズと、サイ・トゥオンブリーのドライプリント作品「チューリップ」のシリーズをが展示されていました。
リヒターはこのシリーズ以外にもペインティング？っぽいのが一つありました。
リヒターは絵の具を堆積させたような抽象的なペインティング？のようなガラスの裏から色をのせていったような作品でした。
サイ・トゥオンブリーはチューリップとわからなくなる位近くから撮った写真のプリントでした。ぼやけることでの抽象性が見えてくる作品でした。
「かみの道具4 ネンチャクシコウ展」をリビング・モティーフで観て来ました。
紙というすべて利用可能性が出きったと思われるような物の可能性を追求している、かみの工作所とデザイナーが組んで新たなプロダクトを作成したようです。参加デザイナーと作品は以下の感じ。
・三星安澄｜オリボン
折ったり貼ったりすることで、様々なかたちがつくれるリボン
・山田佳一朗｜トリノス
鳥が小枝や葉をくっつけて巣をつくるように、自分だけの巣作りを楽しめる器
・安積 伸｜貼プランター
粘着シールで窓ガラスに貼り付けることのできるプランター
・トラフ建築設計事務所｜tapehook
見る人に不思議な印象を与える、テープの性質からヒントを得たフック
・サダヒロカズノリ｜ミーーーラ
送って喜ばれる、驚きとユーモアにあふれたポストカード
・寺田尚樹｜Par Avion よく飛ぶ紙飛行機便箋
空を飛ぶ紙飛行機のお手紙、文字通りの「航空便」
ですね。特にトラフの作品がよかった。マスキングテープのような見かけのフック、紙なのにものをかけたりできるっていうのは観てる方からの意外性もすごかったし、面白さもあったし、部屋にあることを考えても便利でおもしろいという日常が楽しくなるツールって感じでした。展示の仕方も偽物のマスキングテープをちょっと配置してるのもおもしろかったです。
関係ないですが、かみの工作所の本についてる、横山裕一さんの紙の名刺入れ欲しい。
中山英之展「小さくて大きな家」をAXISギャラリーに観に行きました。
中山英之さんは、イメージで石上純也さんに似た路線という感じだったんですが、今回の展示をみて、それは違うという感じでした。
今回、中山さんの作品をやっと知った感がありました。どうしてもとびらプロジェクトの印象が強くて、余り建築らしからぬ、イメージで建築自体を更新しようとしているような人かと思っていたのですが、実際はそんなこともなく、建築らしい建築を作ってました。
今回は色々な作品の模型が出てたのですが、大体が外側と内側の意識を変えるような仕組みになっていた様な物が多かったです。
あとは形がフレキシブルに変わるような。建築というと固定されたイメージというか、壁があるとかドアがあるとか屋根があるとかそういうようなところから考え直すような作品がいくつかって感じでした。
展示方法は恐らく自分で作ったような机の上に敷地と見立てたテーブルクロスを敷いて、その上に建築模型をならべていて、なかなか見やすくて面白い模型の見せ方をしているなという感じになっていました。これからどんな作品をつくるのかが楽しみです。
河村要助さんの「伝説のイラストレーター 河村要助の真実」をクリエイションギャラリーG8で観て来ました。
「1960年代後半以降のスーパーリアル・イラストレーション全盛期、衝撃的に登場し、その後のイラストレーション史に大きな影響を与えた「ヘタうま」。
河村氏はこのムーブメントを牽引したひとりとして、数々の作品を発表し、注目を集めたイラストレーターです。」という、ごあいさつ的なものを読みつつみると思ったよりも、自分がしっている人だったという事がわかってなかなか面白かったです。
MUSIC MAGAZINEの表紙をやっている方といえば思い出す人もいるかもしれません。とにかく知らないとしても、音楽をやっている人とかがみるとなかなか面白いものがたくさんありました。ジャズの歴史をまとめたものとかもナカナカ面白かったし、YMOの３人がMUSIC MAGAZINE表紙を飾っているものの原画とか。そのほかにもドローイングみたいなものから別の作品まで紙袋とか置いてあったんですけど、ストーンズを中心にした音楽の関係図の紙袋とかでアレ欲しかった。
ヘタうまとかいわれてるみたいですが、全然上手い。これぞイラストだなぁって思う物とかも結構あってこれは必見です。
三嶋りつ惠さんの「あるべきようわ 三嶋りつ惠展」を資生堂ギャラリーで観て来ました。
ベネチアのガラスをつかった作品です。ベネチアでは透明で作品を作る人はいないそうで、かなり珍しくもあり、注目されているそうです。
かなり美しい空間にキレイに様々な物を想起させそうなガラスがならんでいました。作品自体はどう読み取っていいのかよくわからなかったですが、とにかく空間とフィットして美しい展示でした。
展示設計に建築家の青木淳さんを迎えているようです。透明なガラスとそこに入り込むように作られた展示設計、とにかくこの組み合わせが非常に良かったです。
床以外を可能な限り白に統一するようにしたり、通常の場所と別の位置に受付をつくるなど、引き込み方に参道のような仕組みを持たせたようですが、まさにそれが機能しているといえる素晴らしい展示でした。
F1の形状から近代の速度や振動をとりだしたというような作品のようでした。けど、イマイチ僕にはそこまで読み取れなかったです。
今度観る機会があったらそういう視点もいれてみるようにしてみよう。造形は美しかったです。流線型というのはこういう物なんだろうなというものを形にしたという印象です。
昔、BTAPでみた金田勝一さんをすこし思い出しましたが、あれとは見た目は少し似ていても根本的に違うかも。
IKEYAN CHARITY PROJECTがPetit luxeでやっていたので観て来ました。
イケヤン☆という、青木良太さんを中心にして若手の陶芸家が集まって新たな風を吹かせようという組織がありまして、そのイケヤン☆メンバーたちで今回の震災に対してのチャリティーを行おうというのを観に行きました。
思ったよりもビックネームがWEBに出ていたので期待して行ったんですが、もう売れてしまっていたのか？あまりなかったです。
あと、欲しいのが少し大きめの器だったのですが、お店が狭かったのであまり置いてなかったので、残念ながらなにも買わずに帰りました。
でも、チャリティーというだけあって、かなりお安い値段になっていたので、好きな作家さんのものや、丁度いい器があった人には、かなり良いイベントになっていたと思います。
稲葉友宏さんと宮田聡志さんの「matter」をCASHI°で観て来ました。
稲葉友宏さんは鉄の細い棒を使ってそれが彫刻に変化して行くような作品でした。作品は２つで髑髏と鹿だったんですが、髑髏ってモチーフは色々な意味を持ちすぎていて個人的には余り好きなモチーフじゃないのですが、良かったです。
鹿の方はかなり良かったです。これが少しずつ錆びて行くことで鹿に近づいたような色になったりするのかな？
宮田聡志さんの作品は感熱紙に影を焼き付けたような作品で、少しづつ消えて行くということみたいなんだけども。感熱紙だと作品として、耐久性があまりにも無いのでどうなんだろうとは、かなり思いますがその経時変化を見て感じられるという部分ではそこの面白さもあるだろうという感じもしました。
経年変化のような時間によって変化する２作品という括りのようでした。
新津保建秀さんと早見あかりさんの「Spring Ephemeral」をFOIL GALLERYに観に行きました。
新津保建秀さんの写真を観に行こうって思っていて、行ってみて気がついたんですけども、早見あかりさんってももクロの青だった早見あかりさんなんですね。
かなり写真の印象が違っていたので、気がつきませんでした。写真は繊細で透明感があり光がキレイに捉えられているという印象で、すごくキレイな写真でした。
その撮影しているところのヴィデオやツイートなんかから合成した音を聴けるという作品もあったのですが、これがなかなか面白かったですというか、かなり良い音でした。試聴に使ってたヘッドフォンがSONYのZX500とZX700だったんですが欲しくなってしまった・・・。
椛田ちひろさんの成層圏vol.1「私のゆくえ」をgallery αMでみて来ました。
先日観に行った、MOTでの「MOTアニュアル2011 Nearest Faraway｜世界の深さのはかり方」でも出品されていた、椛田ちひろさんの作品がαMでも観れるということだったので行ってきました。
作品のタイプは少し違う感じでしたが、共通して自分の時間のまたは記憶の軌跡を蓄積させているそれを重ねてその瞬間を絵画にしているような作品が印象的です。
絵画は瞬間として捉えられるが、その裏には膨大な時間が隠れていて、その過程が透けて見えるような部分に時間や記憶を重ね合わせたくなるような作品です。そういう意味では杉本博司さんの劇場やドライブイン・シアターのような作品と共通している部分があるかもなということを考えながら見ていました。
MOTを含めてどちらの作品も時間を堆積させた面白い作品のように思えたので、これから他の作品を見るのが楽しみです。
大木裕之さんの「ROADSHOW ～〈時間−パフォーマンス〉ドクトリン・にもとづいて～」をアラタニウラノでみてきました。
いくつかの映像作品がずっと流れているという、展示だったのですが、たまたま行った時にやっていたのが、どうやら長編ものだったみたいなのですが、途中からかつ長編の真ん中あたりから見たので、なにがなんだかわからなかった…。
中国と日本の街の映像がかさなりあったりDVカメラか何かの映像がながれていて音もノイズが多くて何を喋っているかわからないようなタイミングだったので、ちょっと時間の関係もあって20分弱くらいで出てしまったので、イマイチコメントできない状態です。他の作品も見れたらよかったが。
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安部典子さんの「TIME LAG」をSCAI THE BATHHOUSEでみてきました。
幾重にも重なった紙を切り抜くことで、地層の様な重なりをみせている作品です。
「TIME LAG」というタイトルを聞いてからみると、あたかも瞬間を切り抜いて堆積させた時間を物体化した様にもみえてきて、地層の重なりのような等高線を立体化した造形としてみるだけでなく、別の側面からもみれることで面白くみえてきます。
時間という側面からみれば、河原温さんの時間の作品の作品集を切り抜いて堆積させた作品もあったので、今回の作品が時間の側面からの影響をより強く意識した作品であることを感じさせました。
時間というものをまるで物であるように捉えて彫刻として作品化しているようでした。その１枚１枚の紙には時間や記憶が刻まれているとも思えて記憶の断片をみているようにも捉えられました。
ただ単純に造形としてみるだけでも面白いし、存在感があって美しいものとしてみれるのですが、その物としての重みや美しさを時間と重ねても非常に面白かったです。
最近の話では、21_21DesignSightでやった吉岡徳仁キュレーションによる「セカンドネイチャー展」でも作品が出ていたみたいなので、（自分は言われて思い出した。）どこかで見ていたような気がしたのでそこでだったようでした。
宮永愛子さんの「景色のはじまりー金木犀ー」をMIZUMA ART GALLERYでみてきました。
入ってすぐに、金木犀の葉脈の絨毯？カーテン？が迎えてくれます。それは空気のように薄いんだけれども、力強い存在感を持っていて、森、または、自然の断片を切り取ってきたかのような作品でした。
Artist Fileでみた時は、ナフタリンの作品で、物の空気感だけを固めたような表現をしていたと思ったんだけども、今回は、もう少し存在感を増していました。
これは、震災があってから自然の力、または、自然の存在感を強く感じているからなのかもしれないけれども、作品の強度がありつつも柔らかい空気感をだす作品で、今みることが非常に面白い作品だと思います。
PASS THE BATON GALLERYで、遠藤一郎とChim↑Pomによる「Never give up!」を見てきました。
出ていた作品はChim↑Pomは「ヒロシマの空をピカッとさせる」、遠藤一郎さんは「愛と平和と未来のために」の２つで、どちらも旧作で有名な作品ですが、今やる意味のある作品がそろっているという印象でした。
やはり、3.11という出来事があってからの話しが中心になってました。展覧会のテーマもNever give up！ってタイトルですし。
いま、とにかく重要なのは、アクションを起こすこと全力でやるということが、大切だという話しでした。シンプルで力強いぶれないということが重要になってきていることを遠藤さんは特に実感しているようでした。
タイトルも含めて、3.11以降がテーマになっていると思うんだけど、3.11が越えて意味が変わった作品とも言える気がしました。これは完全に受け取る側が変わったのだけども、それだけに興味深く見ることができました。
そして、この日は、トークショーもあったので一緒に見て来ました。
未来へ号の捉えられ方が変わった。みんながシンプルに真理に近くなっている。未来へという言葉が、普通に必要とされている。とも言っていました。
ふた方とも、被災地にいって色々なことを通して作品を作りはじめているそうです。
恵比寿マルタンマルジェラの上のgallery kokoで、ATAKの渋谷慶一郎さんのMASSIVE LIFE FLOWを観て来ました。
作品の制作をギャラリー空間で行い、それを人が観ていくというものでした。
演奏するところはUSTREAMから見れたりしました。このタイミングは人がいっぱいでした。休日の一番人が混みそうな時間というのがあるのかもしれません。椅子が置いてあってゆっくりと見れます。
USTREAMには無い緊張感があって、実際に見るとまた違った印象です。鏡で反射して上から見るような視線も確保されているので、機材をどうやって使っているのかなぁ？とかもわかる感じで面白かったです。
実際、いろいろなミュージシャンがやっていることと大枠は変わらないと思いますが、集中力、緊張感、というような物は体感してプロという人がどれくらい上手いとか、しっかり物を作っているのかを体感するのには良い機会だと思います。
スパイクジョーンズの「THERE ARE MANY OF US – I’M HERE」展を観にDIESEL ART GALLERYに行きました。
30分ぐらいのショートフィルムとそのメイキングで１時間くらいの映像と、それに合わせたドローイングや写真や利用した物なんかが並んでいました。
なかなか良い感じのショートフィルムでしたが、展開がちょっと単純かなーでしつこいと思いつつも、映像として綺麗だし、素直に入り込みやすいストーリーで良かったです。
ミュージックビデオ的な部分（当たり前だけど）大きくあってミュージックビデオとして捉えるとスゴい面白いと思いました。毎時45分から本編の上映です。ちょっと前に行くと良いかもしれません。
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鴻池朋子展「隱れマウンテン 逆登り」をMIZUMA ART GALLERYで観てきました。
鴻池さんの作品はオペラシティでの大規模展で見たのですが、それと似たイメージです。
どうやら必ず展示にストーリーがあるようです。オペラシティの時の展示は作品それぞれのストーリーが繋がっていて一つの物語として結実していたのですが、今回はその一つをみるという状態に近いイメージです。
もともと作品にストーリーを作って、それに付随するように絵画等を作成してるのかな？とにかく作品として言葉でも大いに語っています。その言葉のチョイスとか口調というのかな？そのコンセプトというか、ジャンルというかその辺が、人気は得そうな感じで偏っていて良かったです。
「倉俣史朗とエットレ・ソットサス」展を21_21 DESIGN SIGHTに観に行きました。
倉俣さんもスゴいのですが、今回はどちらかと言えばソットサスのものを見たいなと思っていました。ですが、メインは倉俣さんでした。
ソットサスの展示ってあまり観ることがなくて昔、汐留のイタリア街のスペースでみたんですが、それがかなりよかったので、ソットサスの作品を期待していました。
アクリルやガラス等の通常使わないようなものを使っての軽いふわっとした近未来デザインの様なものがたくさんでした。たしかに当時の技術では新しかっただろうし、今見てもスゴいと思います。
アクリルという素材が一般的になってきてしまった今観ると軽いというイメージがなんか出来ないよなぁっていう部分もあって、当時の衝撃はもっとすごかったのではないかと思いました。
ソットサスの物であったのが、ガラスのツボのような物なんですけど、スケッチと実際の物が近いという意味ではかなりの技術だと思いました。
